El compositor Helmut Lachenmann
gana el premio Fronteras del Conocimiento

El músico alemán consigue el galardón por su vanguardismo en la búsqueda constante de nuevos sonidos

Jesús Ruiz Mantillaj, Madrid
20/02/2011


No es complaciente con la música ni con el público, pero nadie puede negar a Helmut Lachenmann (Stuttgart, 1935) una obsesión por romper las barreras del sonido, ni llevar la composición a dimensiones de ruptura radicales. Por eso, el músico alemán consiguió hoy el Premio Fronteras del Conocimiento, que otorga la Fundación BBVA y que está dotado con 400.000 euros.

Para Lachenmann crear hoy es una cuestión de vanguardia, "de romper resistencias exteriores e interiores". Su obra ha causado polémica y rechazo, pero él ha seguido adelante. La seguridad en lo que hacía ha sido fundamental, como ha recordado hoy Cristóbal Halffter. "A la hora de componer, un músico debe tener en mente la representación imaginaria como paso previo a la representación práctica y gráfica. Cuando ambas se funden, que no siempre ocurre, surgen las grandes obras", afirma Halffter. "En Lachenmann siempre me asombró la claridad de ideas a la hora de buscar nuevos sonidos lo que imaginaba era igual que el resultado que conseguía".

Así, desde que empezara a despuntar hace ya más de 50 años, Lachenmann ha roto barreras y ha buscado en simas insospechadas para crear piezas revolucionarias como sus cuartetos de cuerda, Accanto o la memorable Ausklang, para piano y orquesta, sus Sombras del sonido o sus óperas como La cerillera, basada en el cuento de Hans Christian Andersen.

Para el creador, la música no puede ser un elemento de consumo, "gastronómico", le gusta decir a él, sino algo que tiene que ver, recalca, "con el logos y la ciencia". Y no una ciencia en busca de certezas, sino una ciencia "aventurera". Un máximo esfuerzo para alentar e impactar en una sociedad que necesita estímulos estéticos y espirituales.

En eso sigue los preceptos de su maestro Luigi Nono, según él, "uno de los compositores más vivos de nuestro tiempo, pese a que muriera hace 11 años". De él aprendió que las obras deben comenzar a concebirse con la ambición de ser experiencias nuevas, que empiezan y acaban en sí o son precursoras de algo desconocido. "Debemos salir de la tonalidad y adentrarnos en el arte con un idioma propio".

http://www.elpais.es/

Can't Buy Me a Job:

Woman Graduates with First Master's in Beatles Studies

By: Elizabeth Tyler

29.01.2011

The first Masters degree in 'Beatles studies' has been awarded to a lady in Liverpool ... And before you ask, her name's not Eleanor Rigby.

It was in fact the former Miss Canada finalist and professional actress, 53 year old Mary-Lu Zahalan-Kennedy, a student of Liverpool Hope University in the UK. She was one of the first 12 students to sign up for the MA in 'The Beatles, Popular Music and Society', when it began in 2009, and on Wednesday was announced as the course's first graduate.

The course focuses on the work of the Beatles in terms of composition and sound, the influence of Liverpool on their music and the importance of their music in influencing aspects of culture and society.

The founder and leader of the MA, Mike Brocken, is proud of the fact that course graduates course will join the ranks of scholars of Popular Music Studies: "who are able to offer fresh and thought-provoking insights into the discipline of musicology."

Upon graduating, Ms Zahalan-Kennedy said "I am so proud of my achievement. The course was challenging, enjoyable and it provided a great insight into the impact the Beatles had and still have to this day across all aspects of life." (Via Yahoo News)

www.time.com

Is rock'n'roll finally dead?

Only three guitar-band songs in the top 100 – and one of them was Journey. With pop and urban music teaming up, does rock stand a chance?

Peter Robinson

11.01.2011

Foto - Chart maulers ... Cher Lloyd and Black Eyed Peas' will.i.am on The X Factor. Photograph: Ken McKay/TalkbackThames/Rex Features

What will tomorrow evening's Brit awards launch tell us about 2010's music? That it was all amazing, obviously; but often, Brits launches also tell us about what the music industry wants to happen next year. Three years ago, pop was "back"; a few years before that, the Brits wished to make it known that guitar music was in rude health, which on awards night prompted the retina-scorching image of a fishnets-and-top-hat clad Cat Deeley rising from the stage straddling a 7ft champagne bottle and shouting "Rock is back!"

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Though this rock resurgence seemed to hinge on the success of the Darkness – and we should perhaps not dwell too much on how that all panned out – it might be time for the Brits to give rock another nudge. Earlier this week, it was announced that the UK's top 100 best-selling songs of 2010 featured only three rock acts. Pop represented 40% of the chart, dance had 10%, and hip-hop and R&B 47% – though when almost half of all top 40 songs seem to feature Rihanna, David Guetta or Black Eyed Peas, it's hard to know where one genre ends and another begins.

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Rock's biggest-selling tune in 2010 was Journey's Don't Stop Believin', propelled back into the national consciousness in the winter of the previous year by a deft Glee/X Factor pincer movement. And while album and live ticket sales show rock in a more healthy light, it still declined. Despite the best efforts of an industry obsessed with guitar music, it was pop singer Jessie J – and not one of the diverting new guitar bands such as the Vaccines or Mona – who won both the Brits' Critics Choice award and the BBC Sound of 2011 poll. Her single Do It Like a Dude is already at No 5 in a top 10 whose only showing for guitar music is The X Factor winner Matt Cardle's cover of a Biffy Clyro song so anodyne that it might as well have been a Westlife tune.
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Perhaps the renewed lease of life for BBC 6 Music, which doubled its weekly audience last year, will help rock? Well, exciting as a playlist of Mumford & Sons and Supergrass B-sides might be to some, 6 Music will struggle to be heard above the high-octane racket of London's self-proclaimed "hit music station", Capital, going nationwide, as it did last week. Some of Capital's output is tailored regionally, but its playlist – the Saturdays, Tinie Tempah, the Saturdays, Rihanna and the Saturdays – is countrywide. Kiss 100, not exactly shy of chart-mauling sounds from the likes of Black Eyed Peas, is also going national.
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Given your average rock act's incessant bleating about how their art has nothing to do with record sales, you might not think they were worried about this, but it's interesting how many guitar acts, from Editors to Kele from Bloc Party, have "gone electro" in the last 18 months. The latest is Gossip's Beth Ditto, whose (rather listenable) Simian Mobile Disco-produced solo EP is out in a few weeks.
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It must seem to some guitar acts as if all the other genres have ganged up on rock. Take the British urban scene. As Dizzee Rascal continues to play credibility chicken via a succession of increasingly ludicrous mainstream endeavours, Example, Professor Green and Tinie Tempah have spent the last 12 months knocking out hip but hook-heavy pop tunes, and have conquered the top 10 as a result. Don't be fooled by an X Factor winner releasing a Biffy Clyro song: it was little more than a shrewd exercise in positioning Cardle as a credible, "anti-pop" X Factor winner. (It's a shtick that may win over less picky listeners, but it won't stand up to scrutiny – the concept of manufactured indie is a million times more offensive than manufactured pop.)
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In fact, Simon Cowell's most significant signing to his Syco label last year was Tinie Tempah's producer Labrinth. This shift is even felt at Radio 1, which in the past has clung to guitar bands for dear life but is now getting its dose of credibility from the world of dubstep. So while Zane Lowe's cross-genre passion for music remains, the station's most influential tastemakers are now the dubstep champion Annie Mac and the mainstream pop DJ Scott Mills. Last week, in a blogpost titled Has Radio 1 Turned its Back on Bands?, Radio 1's head of music, George Ergatoudis, told NME, "It's also important to understand that there is an undeniable music cycle in the UK, and right now most of our target audience have a pretty limited interest in indie/alternative guitar music". Don't worry, he added, in time the cycle will shift again.
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Many people regard these cycles as if they represent some sort of otherworldly, mystical power, when really they just come down to market forces: popular products are imitated, leading to market saturation, leading to a devalued product, leading to a hunger for something new. Rock's current slump in the singles chart comes a decade after the British guitar music scene was last decimated. Back then, the lumpen output of Catatonia and Space killed indie; this time, the beige revolution of acts such as the View and Pigeon Detectives threw the doors wide open for a Lady Gaga-shaped superhero. Now the charts are full of boybands such as JLS and the Wanted, pop singers such as Pixie Lott and international acts such as Rihanna.
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There are more to come. Then there will be too many. Then guitar music will storm back. Retro-influenced acts the Strokes and the White Stripes saved guitar music 10 years ago. Rest assured, when rock returns it will sound as reassuringly, tediously familiar as it always has.

www.guardian.uk

Mermad Avenue», el legado lírico de Woody Guthrie recuperado

Manuel De La Fuente, Madrid

28.12.2010

Foto - Guthrie com sua guitarra rotulada como
"Esta máquina mata fascistas"

Corría la primavera de 1995 y Nora, hija del gran trovador comunista Woody Guthrie, ya llevaba bastante tiempo revolviendo entre los miles de folios escritos por su padre. Docenas y docenas de letras, redactadas entre 1939 y 1967 (cuando Woody murió y dejó desconsolado a Dylan que le veló a menudo en su cama de un hospital neoyorquino) que merecían algo más que sobrevivir al polvo del tiempo en el baúl de los recuerdos.

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Portada del disco «Mermaid Avenue»

Nora buscó otro rojeras, el cantautor británico Billy Bragg, un tipo capaz entre los capaces de poner algo de orden en ese repertorio. Billy, chavalote avispado, pensó que en el proyecto se necesitaba la ayuda de alguien con conocimiento de causa y pasión por la música popular norteamericana. Los elegidos fueron Jeff Tweedy y sus Wilco. Nora estuvo de acuerdo, y entre todos decidieron crean nuevas partituras para esas letras, trovas populares pero de rabiosa y hermosa actualidad.

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Un par de años y pico más tarde, en 1998, el fruto de la colaboración estaba maduro: «Mermaid Avenue» era el título de un álbum de refrescante, luminosa y también melancólica canción popular, inspirado en Woody, como si él mismo hubiese asistido a las sesiones de composición y de grabación.

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Una vez más, pasado, presente y futuro de la música se unían y matrimoniaban como sólo los anglosajones saben hacer. Woody se habría sentido a sus anchas en esta compañía.

http://www.abc.es/

La Negra que nos faltaba

27.10.2010
Doce reediciones Universal lanza, por primera vez en CD, álbumes de Mercedes Sosa que fueron grabados entre 1966 y 1973. De “Yo no canto por no cantar” a “Traigo un pueblo en mi voz”.

Como suele ocurrir, las efemérides resultan una buena excusa para reeditar, reciclar, rescatar o refritar el material de los artistas más “rendidores”. Afortunadamente, en el caso de Mercedes Sosa, su primer año de ausencia motorizó, más allá de algún refrito de valor relativo, la reedición y, en varios casos la edición por primera vez, de los discos que la cantante grabó en el lapso que va de 1966 a 1973.
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Voz emblemática del Nuevo cancionero surgido en los albores de los ‘60, Sosa se convirtió en una pionera en eso de reflejar la presencia del hombre en un folclore cuya poética -que hasta entonces era poco más que un resumen de paisajes inanimados-, encontraba nuevos aires en las letras de Armando Tejada Gómez, Oscar Matus, Tito Francia y Hamlet Lima Quintana, entre otros.
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Al mismo tiempo, recorrer cronológicamente el material rescatado permite reconstruir el pulso de una época sellada a fuego por el conflicto social. Del relato de la cotidianidad y de pasajes silenciados de la historia, a través de piezas como Los inundados y la Canción del derrumbe indio, a las arengas de Cuando tenga la tierra o Hermano, dame tu mano -“Métale a la marcha, métale al tambor, métale que viene la revolución”-, la discografía de Mercedes Sosa traduce en canciones el clima político del momento.
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La dictadura de Juan Carlos Onganía, la presencia de Ernesto Che Guevara en Bolivia, el Cordobazo, el deshilachamiento de la “Revolución argentina”, el “Luche y vuelve”, la inminencia del retorno de Juan Perón al país, enmarcaban una producción que incluían las primeras versiones de la cantante de temas que la acompañarían durante toda su trayectoria. Clásicos como Zamba para no morir, Duerme, Negrito, Canción con todos, La arenosa y Los hermanos se alternan con perlas como La copla perdida, el Terceto Autónomo y Zamba del Regreso.

Además, el lanzamiento ofrece, en Navidad con Mercedes Sosa, un perfil poco difundido de la artista. Allí, con dirección de Oscar Cardozo Ocampo, Sosa transita un exquisito repertorio navideño. Como deuda queda, en el caso de los inéditos como en las reediciones de Cantata Sudamericana, Mujeres Argentinas y Homenaje a Violeta Parra, la escasa información sobre los músicos que participaron. Es apenas un detalle, en un rescate más que bienvenido.
www.clarin.com/

MÚSICA

Bob Dylan: De adolescente a génio

numa mão cheia de discos

por Tiago Pereira
26.10. 2010

Duas novas edições relançam um olhar atento sobre o início do percurso de um dos nomes mais importantes da música popular

Início de 1962. Bob Dylan está a gravar "Man on the Street", canção que será incluída no seu álbum de estreia. Um minuto após o início da canção, Dylan pára: a letra não está correcta e as cordas tropeçam umas nas outras. Com 20 anos, tem toda a certeza do mundo sobre onde quer chegar e como pretende fazê-lo. Canta como se a década de 60 se preparasse para ser sua - ainda não o sabe, mas a história da música popular reserva-lhe, de facto, o mais destacado dos lugares. "Man on the Street" teria outra vida e o mesmo cuidado de pormenor acabaria por tomar conta de todas as suas criações. Seguiram-se sete anos de puro génio, que hoje ainda parecem desafiadores - essencial recordar o como e o porquê com duas novas edições: "The Witmark Demos", nono volume da colecção "Bootleg Series" (que tem revelado gravações nunca editadas) e a caixa "The Original Mono Recordings", com os primeiros oito álbuns do músico.
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Se o lançamento simultâneo dos dois registos terá a obrigatória dose de estratégia comercial, a verdade é que está também recheada de sentido editorial, forçando um novo olhar sobre o percurso inicial de Bob Dylan - o mesmo que lhe preparou o caminho para as contínuas reinvenções criativas que protagonizou e o mais importante e popular junto das gerações de compositores e intérpretes que influenciou.
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As rimas e os negócios
"The Witmark Demos" reúne 47 canções gravadas para a companhia de publishing Witmark. Seguindo as regras comerciais de então, Dylan escreveu e gravou temas que posteriormente foram licenciados para outros intérpretes, como sucedia com quase todos os compositores recém-chegados ao mercado das canções. O caso mais mediático foi "Blowin'' in the Wind", canção transformada em sucesso por Peter, Paul & Mary. Do catálogo que Dylan gravou para a Witmark faziam parte primeiras composições e algumas versões, mas também ali estavam incluídos futuros clássicos, de "Masters of War" a "Mr. Tambourine Man". Com as canções - que primeiro revolucionaram a folk, depois o rock''n''roll - as interpretações carismáticas e a escrita, Dylan conseguiu seduzir alguns dos mais importantes nomes da indústria musical de 60 e da Nova Iorque do showbiz (de John Hammond, crítico, produtor e caça-talentos, a Albert Grossman, "o" empresário da folk de então). Fez-se artista, não de assinatura mas de corpo inteiro, atribuindo ao álbum criado por um músico folk valor que não existia até então, transformando as regras da economia discográfica e dando novo sentido à definição de estrela pop.
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O processo foi iniciado com os registos que se escutam em "The Witmark Sessions". Já o reflexo artístico desta atitude está nos discos reunidos em "The Original Mono Recordings": "Bob Dylan" (1962), "The Freewheelin'' Bob Dylan" (1963), "The Times They Are A-Changin'' (1964), "Another Side of Bob Dylan" (1964), "Bring It All Back Home" (1965), "Highway 61 Revisited" (1965), "Blonde on Blonde" (1966) e "John Wesley Harding" (1967). Primeiro a apropriação dos contos de outros, depois os relatos na primeira pessoa. Com contestação e sentido de contemporaneidade, mas também procurando a revolução musical, com electricidade e transformando a folk por uma causa em rock pouco ou nada altruísta.
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Esclarecimento sobre o "porquê recordar estes documentos em mono", quando a palavra carrega consigo uma valente dose de coisa remota: as canções foram originalmente gravadas neste formato. As gravações em estéreo eram feitas já desde o final de década de 50 mas o cuidado do artista na produção das mesmas era empregue nos registos em mono, mais populares e utilizados na maioria dos sistemas sonoros (o estéreo ficava por conta de uma rápida revisão assinada apenas por técnicos).
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A diferença, neste caso particular: som mais coeso, sem perder pitada de nitidez, e com a vantagem de ser acompanhado pela reprodução das capas originais. Preciosismos para uns, factores decisivos para outros. É escolher.

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“Viva Elvis – The Album”

Adelanto del “nuevo disco” de Elvis Presley
16.09.2010

El 8 de noviembre se estrenará el primer “nuevo disco” de Elvis Presley en 33 años, “Viva Elvis – The Album”. Las canciones fueron tomadas del espectáculo “Viva Elvis” que el Cirque Du Soleil realiza en Las Vegas desde principios de año. El tema “Suspicious Minds” es el primer corte de difusión.

“Antes de Elvis no había nada”, dijo John Lennon. Porque después del Rey del Rock el mundo fue y sonó diferente. Con el movimiento de sus caderas y el poder de su voz, Elvis derribó barreras, destruyó las convenciones musicales y revolucionó los mundos de la música, del cine y de la moda. Esta obra evoca el espíritu y la esencia de Elvis en una amplia variedad de escenarios musicales.

El espectáculo que el Cirque du Soleil realiza en Las Vegas es una fusión de baile, acrobacia y música en vivo como tributo a la vida y música del Rey. Momentos significativos de su vida -íntimos, divertidos, y grandiosos- se mezclan con canciones que no conocen del paso del tiempo y que hoy permanecen tan actuales como lo fueron cuando llegaron a la cima de las listas de éxitos por primera vez.

“¿Qué sería de las canciones de Elvis si él hoy las grabara por primera vez?”, se pregunta el productor del álbum y arreglador Erich van Tourneau, director musical y arreglador de “Viva Elvis” del Cirque du Soleil. “Nos disponemos a evocar el espíritu y el alma de Elvis Presley construyendo un puente entre su música y las futuras generaciones de fans”. Van Tourneau y su asistente, Hugo Bombardier, pasaron miles de horas revisando álbumes, películas, grabaciones de conciertos, entrevistas y grabaciones caseras de Elvis. En ese lapso, se hicieron más de 17 mil muestras de canciones de Elvis, lo que constituyó el material en crudo para el show.

Van Tourneau y Bombardier con frecuencia fundieron varias secuencias y sonidos en la misma canción, mientras trabajaban con cientos de muestras de la voz de Elvis, a veces cambiando el tono y el tempo. Al crear “Viva Elvis - The Album”, Van Tourneau buscó acentuar y aumentar la carga emocional de las canciones con la incorporación de reggae, punk o elementos de hip-hop en las grabaciones clásicas. Igualmente, en todos los casos, se respetó la esencia de las grabaciones originales.
El disco incluye canciones de sus comienzos, la fama que alcanzó en los años cincuenta, las bandas de sonido de sus películas, su regreso triunfal en el “Especial de 1968 –‘68 Special-”, y sus innovadoras presentaciones en Las Vegas. “Burning Love”, “Suspicious Minds”, “Blue Suede Shoes” y “It's Now or Never” son algunas de las canciones que fueron transformadas y recreadas en el álbum.
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